Auteur et dessinateur, Fabrice Le Henanff s’est imposé avec des albums mêlant récit historique, adaptation et mise en scène cinématographique. Passionné par la narration visuelle, il accorde une attention particulière au découpage, au rythme et à la documentation, avec une ambition constante : faire oublier la technique pour ne laisser place qu’à l’histoire et aux émotions.
Vos albums donnent souvent l’impression d’être pensés comme des films. Quand vous construisez une scène, pensez-vous d’abord en termes d’images, de rythme… ou de narration ?
Je pense d’abord en images. Lorsque je lis un scénario ou quand j’écris un scénario, les scènes prennent très vite forme dans mon esprit, presque comme un film. J’imagine immédiatement les personnages et je fais en quelque sorte un casting. Parfois, j’ai des descriptions de mes scénaristes pour les décors, les cadrages et les déplacements. Ensuite vient le découpage, qui est pour moi l’étape essentielle. C’est lui qui donne le rythme, qui crée la tension ou, au contraire, laisse respirer le lecteur.
En bande dessinée, nous racontons une histoire avec des images fixes, mais nous devons donner l’illusion du mouvement et du temps qui passe. Une grande case peut suspendre un instant, tandis qu’une succession de petites cases accélère naturellement le rythme de la lecture. Toute la mise en scène repose sur cet équilibre.
Vous avez travaillé sur des figures réelles et des adaptations. Qu’est-ce qui est le plus difficile : rester fidèle… ou rendre l’histoire vivante ?
Pour moi, les deux vont de pair.
Lorsque je travaille sur un sujet historique, je passe énormément de temps à me documenter. Les costumes, les bâtiments, les objets, les véhicules ou encore les paysages doivent être crédibles. Je respecte même la météo lorsque je dispose des données d’époque. Cette rigueur est indispensable, surtout lorsqu’on évoque des événements ou des personnages ayant réellement existé, comme pour l’album Wannsee.
Mais toute cette documentation ne doit jamais prendre le pas sur le récit. Si le lecteur ne ressent aucune émotion, la précision historique ne suffit pas. Mon objectif est donc de faire oublier le travail de recherche pour que le lecteur vive pleinement l’histoire.
À quel moment une scène « fonctionne » visuellement, selon vous ? Est-ce une question de découpage, de rythme, ou d’émotion ?
Une scène fonctionne lorsqu’on oublie complètement sa construction. Le regard circule naturellement d’une case à l’autre, sans effort. Une page fonctionne quand on a envie de la tourner pour découvrir la suite du récit. Le découpage et le rythme sont essentiels, mais ils restent des outils. Ce qui compte avant tout, c’est l’émotion.
Quand vous adaptez une œuvre ou un fait réel, qu’est-ce que vous vous autorisez à transformer… et qu’est-ce que vous refusez de toucher ?
Je peux adapter le rythme du récit, condenser certaines situations ou modifier le découpage afin que l’histoire fonctionne mieux en bande dessinée.
En revanche, je ne modifie pas les faits historiques pour créer davantage de spectaculaire. La réalité possède déjà sa propre force. Mon travail consiste à la rendre lisible et vivante, pas à la réinventer.
Votre travail repose beaucoup sur la tension et la mise en scène. Est-ce que vous cherchez à guider le regard du lecteur comme le ferait un réalisateur ?
Oui, absolument. Je fonctionne comme un réalisateur : je choisis ce que le lecteur voit, mais aussi ce qu’il ne voit pas encore. Le cadrage, la composition, les regards des personnages et la lumière servent à guider naturellement l’œil du lecteur.
La différence avec le cinéma, c’est que le lecteur maîtrise son rythme. Il peut revenir en arrière, s’arrêter sur une case ou observer un détail, admirer une scène ou un décor. Mais généralement, si le lecteur revient en arrière, c’est qu’il y a un problème de lecture.
Aujourd’hui, les adaptations de BD au cinéma se multiplient. Est-ce que vous avez le sentiment qu’on comprend vraiment ce qui fait la force d’une bande dessinée… ou qu’on essaie encore de la traduire avec des codes qui ne sont pas les siens ?
La bande dessinée et le cinéma sont deux langages proches, mais différents. Entre deux cases, il y a un espace-temps : c’est le lecteur qui imagine le mouvement et construit mentalement la continuité du récit.
Une bonne adaptation ne devrait pas chercher à reproduire les cases d’un album, mais à comprendre ce qui fait leur force narrative et retrouver cette émotion avec les outils propres au cinéma. Et ce qui compte toujours, c’est le scénario, l’histoire.
